Wologda-Holzmalerei. Wologda-Gemälde auf Gold. Wologda-Kunstmalerei
Ein interessantes und einzigartiges Zentrum der Volksmalerei befand sich am nordöstlichen Rand der Region Wologda (heute ist es der Bezirk Welski der Region Archangelsk). Es bestand aus einer Ansammlung von Dörfern an abgelegenen, abgelegenen Orten, verloren in den Wäldern der nördlichen Region. Eines der Dörfer, in denen Malermeister lebten, hieß Glubokovka. Hier entstand die Ornamentmalerei, die von den Forschern „Glubokovskaya“ genannt wurde. Die Malerei von Glubokovskaya ist reich an verschiedenen Elementen. Dies sind „Rosetten“, „Knospen“, „Locken“, „Blätter“, „Punkte“, „Tropfen“, „Klammern“ in verschiedenen Formen. Am häufigsten wurde die Glubkovo-Malerei zur Dekoration von Innengegenständen verwendet – Schränke, Türen, Spinnräder. Während die frühen bemalten Denkmäler eine oliv-ockerfarbene Farbe hatten, hatten die späteren eine satte orange und rotbraune Farbe.
Die Gayutinskaya-Malerei war im südwestlichen Gebiet der Region Wologda, an der Grenze zur Region Jaroslawl, weit verbreitet. Dies ist ein festliches, elegantes Mosaik-Gemälde mit einem kleinen Perlenmuster aus Blumenrosetten, die aus Punkten und Blütenblättern bestehen. Die Komposition basiert auf einer Baumblüte, einem Spross, der in einer Frucht mit darin befindlichen Samenpunkten endet.
Der fröhliche Charakter des Gemäldes wird durch die mehrfarbigen Farben – Rot-, Orange-, Grün-, Blau-, Gold- und Silbertöne – verliehen, die auf einem dicken kirschroten, rotbraunen oder ockerfarbenen Hintergrund überlagert sind. Eine solche Bemalung war hauptsächlich auf Spinnrädern vorhanden. Die verborgene Symbolik der Gayutin-Malerei ist die Symbolik des Universums und der Weltordnung.
Moderne Handwerker aus Wologda verzieren Souvenirartikel mit kleinen Perlenmustern – Schachteln, Salzstreuer, dekorative Teller, Ostereier, Truhen, Schüsseln, Holzspielzeug.
Ein weiteres helles, fabelhaftes, „feuriges“ Gemälde der Region Wologda. Bis vor kurzem gehörte das vergoldete Gemälde von Sheksninskaya zu den wenig bekannten Gemälden. Es befand sich im südöstlichen Teil des Bezirks Sheksninsky der Region Wologda, an der Grenze der Provinzen Jaroslawl, Wologda und Nowgorod. Die Einheimischen nannten es „vergoldetes Mädchen“ wegen seines goldenen Musters auf einem leuchtend roten Hintergrund. Bizarre Pflanzen mit ausgefallenen Blättern, Blüten und Früchten, auf deren Zweigen ein stolzer Vogel mit dem eigenständigen Blick eines Adlers sitzt, dessen Schwanz sich manchmal in ein Blumenornament verwandelt, sind die Hauptmotive der Sheksna-Malerei.
In Farbgebung und Malstil ähnelt das „Sheksninskaya vergoldete Gemälde“ dem Khokhloma-Gemälde („Kudrina“). Die Muster der vergoldeten Scheksninskaja-Ornamente erinnern an die Ornamente von Ikonen und handgeschriebenen Büchern. Die goldene Farbe des Gemäldes in Kombination mit einem schwarzen Umriss und einem roten Hintergrund schafft eine helle, kontrastreiche festliche Palette und steht im Einklang mit der farbenfrohen Struktur antiker Ikonen. Moderne Meister arbeiten auch mit der Technik der „Sheksninskaya-Vergoldung“. Es sieht toll auf Schatullen, Schachteln und Schmuck aus.
Kichmeng-Gorodets-Gemälde
Kichmengsko-Gorodetsky-Malerei existierte in den Grenzgebieten der modernen Regionen Kostroma, Kirow und Wologda. In vielen Dörfern der Region Kichmengsko-Gorodetsky wurden Möbel und Innenausstattung der Häuser mit reichen dekorativen Gemälden geschmückt. Die Bemalung erfolgte im Freihandstil, also mit der geschwungenen Hand, was eine schnelle Bemalung großer Flächen ermöglichte. In der zweiten Hälfte des 19. und frühen 20. Jahrhunderts bemalten Handwerker aus den Provinzen Kostroma und Wjatka in ganzen Teams die Innenräume von Bauernhäusern: Zäune, Wände, Türen, Dübel sowie Möbel und Haushaltsgegenstände: Schränke, Spinnräder, Truhen. Die Gemälde wurden mit Ölfarbe ohne Grundierung gemalt, meist auf ockerfarbenen oder roten Hintergründen. Die Hauptfarben waren Rot oder Burgund, Weiß und Grün. Gelb, Blau und Schwarz dienten oft als zusätzliche Farben. Das Lieblingsbild der Meister war ein Löwe. Er nahm stets eine führende Stellung in der Bildkomposition ein. Der Löwe galt als Wächter, der das Eigentum des Besitzers beschützte. Die Menschen schätzten die Stärke, den Mut und den Adel in der Gestalt des Tieres. In der Malerei von Kichmeng-Gorodets waren Blumensträuße aus Rosen, Tulpen, Blütenblättern und Weintrauben üblich.
Das älteste Symbol der traditionellen Volkskunst des russischen Nordens – der Baum des Lebens – ist auch auf dem Gemälde von Kichmeng-Gorodets zu sehen. Das führende Ziergrundstück ist ein „blühender Zweig“, einer oder mehrere, mit anderen verflochten, erhebt sich und endet mit einer mächtigen „Rebe“. „Vinogradie“ ist ein weit verbreitetes Symbol in der Kultur des russischen Nordens und bringt Wohlstand und Reichtum. „Vinogradiya“ ist der Name von Glückwunschliedern mit Wünschen nach Güte und Glück. Solche Lieder wurden in der Region Wologda von Weihnachtsliedern zur Weihnachtszeit gesungen, wenn sie mit guten Wünschen durch die Höfe gingen, sowie bei der Hochzeit des Brautpaares. Dies ist ein lebensbejahendes Symbol für das Aufblühen der Natur und des menschlichen Lebens.
Dieses Gemälde erhielt seinen Namen vom Dorf Verkhnyaya Uftyuga (im lokalen Dialekt „Ukhtyuga“), das 60 Kilometer von Solvychegodsk und, wie die Oldtimer sagen, „einhundertzehn Kilometer der Schlittenstrecke“ von Weliki Ustjug entfernt liegt . Zuvor gehörte dieses Gebiet zum Bezirk Solvychegodsk der Provinz Wologda. Heute gehört Werchnjaja Uftjuga zum Bezirk Krasnoborski in der Region Archangelsk.
Raffinesse und Zurückhaltung, Subtilität und Anmut, Harmonie und Proportionalität der Elemente, zarte Pastellfarben – das zeichnet die Uftyug-Malerei aus. Seine traditionelle Zusammensetzung besteht aus einem flexiblen Zweig, der mit Tulpen oder „Kesseln“, wie lokale Handwerker sie nennen, Früchten und Blättern verziert ist. Anmutige und anmutige Vögel sitzen wie Paradiesvögel auf den Zweigen. Solche Gemälde schmückten Kästen, Kästen, Spinnräder und Wiegen und verglichen die Dekoration des oberen Raums mit dem Garten Eden. Der Malstil ist gut erkennbar.
Die Verkhovazh-Malerei gehört zu den Freipinsel-Gemälden, bei denen der Meister eine Zeichnung mit freien malerischen Strichen aufträgt. Wenn zum Schreiben eines Elements zwei oder drei Farben gleichzeitig benötigt werden, kommt ein Bleich-Glanz zum Einsatz – Bleich-Glanzlichter, die die Form des Bildes modellieren. Die Motive des Designs können entweder Pflanzen (Rose, Beere, Tulpe, Blatt) oder Tiere (Löwe oder Vögel) sein. Die Verkhovazh-Malerei hat ihre eigenen Merkmale: Das Bild wird ohne Vorzeichnung ausgeführt und es gibt eine visuelle Mischung aus „Wiederbelebungs“-Techniken.
Basierend auf Materialien von N. Putilova, O. Gladysheva,
L. Korchagova, T. Gorbatova, O. Oleneva.
Die Holzmalerei gehört zusammen mit anderen Arten traditioneller Volkskunst zum goldenen Fundus der russischen Kultur. Viele traditionelle Malzentren sind seit langem mehr oder weniger erforscht und entwickeln sich derzeit erfolgreich weiter. Eine große Anzahl von Veröffentlichungen ist den Gemälden von Khokhloma (Semyonovsky, Krutets), Gorodetsky, Sewerodwinsk und der Volkskunstkultur von Vaga, Mezen, Prikamye, Pechera gewidmet.
Leider wurden viele Zentren der Bauernmalerei mit lokaler Bedeutung in der wissenschaftlichen Literatur noch nicht ausreichend behandelt. Bis vor kurzem war das vergoldete Gemälde von Sheksninskaya eines dieser wenig bekannten Gemälde der Region Wologda. Dies ist ein grafisches Gemälde mit hellen floralen und geometrischen Mustern in Gold und Schwarz auf rotem Hintergrund. Die Sammlungen des Staatlichen Historischen, Architektur- und Kunstmuseums-Reservats Wologda (im Folgenden als VGMZ bezeichnet) enthalten 21 Spinnräder und zwei Spinnräder mit Sheksninsky-Vergoldung, die im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert hergestellt wurden, sowie 13 Souvenirartikel der Moderne Handwerker.
Zum ersten Mal wurden Werke mit diesen Gemälden von einem Mitarbeiter des Staatlichen Geschichts- und Kunstmuseums-Reservats Zagorsk, O.V. Kruglova, nach einer Expedition in die Bezirke Sheksninsky und Cherepovets der Region Wologda und der anschließenden Ausstellung von Expeditionsmaterialien in der Region veröffentlicht Heimatmuseum Wologda. Die Sammlung von Objekten mit Sheksna-Vergoldung im Wologda-Museum entstand als Ergebnis mehrerer historischer, ethnologischer und archiographischer Expeditionen.
Gezielte Expeditionen zum Sammeln von Materialien zum „Sheksninskaya Gilt“ wurden 1990 und 1992 von Mitarbeitern der Abteilung für Volks- und Kunstgewerbe der VGMZ durchgeführt. Die Einheimischen nannten dieses Gemälde „vergoldet“. In der wissenschaftlichen Literatur wird dieser Begriff jedoch den traditionellen Gemälden zugeordnet, die im Novoladozhsky-Bezirk der St. Petersburger Tubernia existierten. Hier waren Wandgemälde mit malerischen „Vasen“ und Blumensträußen auf goldenem (Bronze-)Hintergrund üblich, die von der einheimischen Bevölkerung auch „vergoldete Blumen“ genannt wurden. Unter diesem Namen wurden sie von M.A. Sorokina veröffentlicht, einer Mitarbeiterin des Russischen Museums, die dieses Zentrum sorgfältig studierte.
Auf der Grundlage des oben Gesagten wurde vorgeschlagen, die traditionellen Volksgemälde, die im mittleren Teil des Sheksna-Flussbeckens existierten, „Sheksninskaya vergoldet“ zu nennen, weil Diese Definition hat sich in der Museumspraxis und bei Künstlern bereits etabliert. Dank der Aktivitäten des Ateliers Vologda Paintings, das erfolgreich am VGMZ arbeitet, wurde die Technik des Schreibens der vergoldeten Sheksninsky-Malerei entwickelt. Der Unterricht in diesem Gemälde wurde in den Lehrplan der Gouverneursschule für Volkshandwerk in Wologda aufgenommen. Handwerker und Künstler der Firma Nadezhda arbeiten aktiv mit diesem Gemälde, und auch Handwerker aus dem Bezirk Sheksninsky sind an der Entwicklung der lokalen Malerei beteiligt.
Eine erfolgreiche Restaurierung von Volksgemälden erfordert kein mechanisches Kopieren, sondern ein eingehendes Studium der volkstümlichen Kunstkultur der Region, Kenntnisse der Geographie der Malerei, der Besonderheiten der Entwicklung des Handwerks in der Region, ein Verständnis der Absatzmärkte und der Wirtschaft und kulturelle Bindungen des Territoriums.
Sheksninsky-vergoldete Gemälde wurden in einem kleinen Gebiet verteilt, im Becken des Oberlaufs der Flüsse Toshka, Sogozhi, Ugly, auf dem Gebiet von Domshynsky, Lyubomirovsky, Bratkovsky und Chasga der Dorfräte Chebsarsky des Sheksninsky-Bezirks der Region Wologda.
Die nördliche Grenze, wir werden die Wunden des Gemäldes enthüllen, verläuft entlang der Linie, die die Siedlungen Kushchuba, Chebsara, Sheksna verbindet; der östliche verläuft entlang der Wasserscheide der Flüsse Kolduga, Kushchuba und Lukhot, dann verläuft er fast entlang der Ostgrenze des Bezirks Sheksninsky.
Die südöstliche Grenze verläuft durch die Dörfer Panushino und Popovskoye und verläuft nördlich des sumpfigen Gebiets Bolshaya Gulasikha. Westlich - von Eremeev und Lyubomirov steigt nach Norden - nach Bratkov, Tsibik und geht über Molodki nach Chebsory.
Vor der Revolution von 1917 gehörte der östliche Teil der Region zum Bezirk Wologda (Maryinskaya, Bratkovskaya, Nesgsrovskaya, Vorontsonskaya, Sizemskaya volosts) und der westliche Teil war Teil des Bezirks Tscherepowez der Provinz Nowgorod. Die Gebiete, in denen die Malerei ausgeübt wurde, liegen an der Kreuzung der Grenzen des russischen Nordens und der oberen Wolga-Region, was sich natürlich nur auf die künstlerische und figurative Struktur der Gemälde auswirken konnte. Meistens findet man Gemälde in diesem Bereich auf Spinnrädern.
Einige Wissenschaftler führen die Art der Spinnräder in den Einzugsgebieten der Flüsse Sheksna und Sogozha auf die Wolga-Region zurück, während andere sie für eine Variante des antiken Nowgorod-Säulenspinnrads halten. Zu diesem Typ gehören Sogozhanka, Gayutinsky und Spinnräder mit Sheksninsky-Vergoldung. Wurzelspinnräder (Spinnräder) sind massiver als die Gayutin-Spinnräder, aber leicht, da sie aus Kiefernholz hergestellt wurden und Kiefer nicht umsonst „Klingeln“ genannt wird.
Diese Art von Spinnrad wird in der Klassifikation von A.A. Bobrinsky nicht erwähnt. Bemerkenswert ist die Form der Spinnräder. Im Vergleich zu den großen und massiven nördlichen (Kargopol, Kirillov) Spinnrädern dieser Region sind sie leicht, klein mit einem kleinen trapezförmigen Blatt, einem hohen rechteckigen Säulenbein und einem breiten oder spatenförmigen stabilen Boden.
Bemalt wurden Drechselgeräte, Näherinnen mit gedrechselten Beinen, Spinnräder, Teile von Webereien und sogar Birkenrindenstreifen in Korbgeflecht. Muster von Flechten und ausgesuchter Weberei mit farbiger Tambour-Stickerei. Der rhythmische Wechsel farbiger Streifen war auch eine dekorative Dekoration von Gegenständen. Es ist zu beachten, dass das Gebiet, in dem das Gemälde verwendet wurde, an den Kuchenrouten lag und die Nähe großer Städte die Geschmacksbildung der lokalen Bevölkerung beeinflusste.
Und schließlich hatten die größten Klöster des russischen Nordens: Kirillo-Belozersky, Ferapontov, Cherepovets Resurrection mit den reichsten Sammlungen von Ikonen, handgeschriebenen Büchern, kostbaren gemusterten Stoffen, Objekten der angewandten Kunst und prächtiger Architektur einen großen Einfluss auf die ästhetische und moralische Entwicklung der Bevölkerung. Das Leushinsky-Kloster St. Johannes der Täufer (heute vom Rybinsker Stausee überflutet) war ebenfalls ein Zentrum spiritueller Kultur.
Im Kloster sammelte Äbtissin Taisiya eine Bibliothek mit „einer beträchtlichen Anzahl seltener Bücher“. In der untersuchten Gegend gab es viele altgläubige Pfarreien. In den Häusern der Altgläubigen wurden alte Ikonen und Werke kleiner plastischer Kunst sorgfältig aufbewahrt Kupferikonen und Kreuze mit Cloisonné-Emaille. Die Grundlagen der künstlerischen Bildsprache der Sheksninsky-Vergoldung gehen auf die reiche alte russische Kultur zurück: Ikonenmalerei, handgeschriebene Miniaturen, ornamentale Buchgestaltungskunst.
Auf einem der Spinnräder befindet sich an der Endseite, wo das Bein auf den Boden trifft, ein rundes Goldsiegel, das eindeutig auf den Einfluss der Buchkunst hinweist. Die Ornamente des Gemäldes ähneln entfernt Miniaturkopfbedeckungen handgeschriebener Bücher. Die Gemälde auf vielen Spinnrädern wurden auf die gleiche Weise wie Ikonen auf Gesso gemalt; die Farbgebung ähnelt ikonografischen Denkmälern. Die Meister übertrugen keine vorgefertigten Ornamente auf Alltagsgegenstände, sondern überdachten und verarbeiteten die gesammelten Erfahrungen kreativ, übernahmen die Tradition der Buch- und Ikonenmalerei, verbanden sie mit ihrer mythopoetischen Weltanschauung und schufen eine leuchtende dekorative Malerei.
Vor dem Bemalen grundierten die Handwerker das Holz und verwendeten roten Ocker. Um einen Hintergrund zu schaffen, verwendeten sie mit trocknendem Öl gemahlene Farben, trugen sie möglicherweise in mehreren Schichten auf und bevorzugten dünne Lasuren. Diese Tatsache weist auch darauf hin, dass die Meister der Malerei technologisch viel von der Ikonenmalerei übernommen haben. In den ornamentalen Kompositionen an den Beinen der Spinnräder erkennt man stilisierte Bilder von Kirchen mit Zwiebelkuppeln oder Kuppeldächern. Sie erinnern an Tempelbilder auf antiken Ikonen. Die Kunst der Ikonenmalerei hat natürlich ihre Spuren in der Arbeit der Malermeister hinterlassen.
Die goldene Farbe des Gemäldes, kombiniert mit einem schwarzen Umriss und einem roten Hintergrund, schuf eine helle, kontrastierende festliche Palette und stimmte mit der farbenfrohen Struktur antiker Ikonen überein. Wir hören oft von Leuten, die mit den vergoldeten Gemälden von Sheksninskaya nicht vertraut sind, dass sie dem goldenen Khokhloma ähneln. Selbstverständlich entstanden beide Gemälde unter dem Einfluss der altrussischen Kunst, der Kunst der Ikonenmalerei. Auf den Klingen der Spinnräder stellten Handwerker einen ausladenden Busch oder ineinander verschlungene Zweige dar, auf denen ein stilisierter Vogel saß. Der Vogel war im Profil mit nach rechts gedrehtem Kopf geschrieben – „ein Vogel mit einem Auge“ und ähnelte eher einem Falken.
Der Körper des Vogels ist bei manchen Künstlern länglich und etwas abgeflacht, bei anderen ist er runder. Der Schwanz verwandelt sich mit der Entwicklung einzelner Federn oft in einen Haufen Gras oder Blätter, der Flügel ist leicht nach oben gehoben, der Kopf ist mit einem kleinen Kamm gekrönt. Auf dem Kopf befanden sich große runde Augen oder mit verlängertem Augenlid und ein gebogener Schnabel, weshalb viele Vögel räuberisch wirken. Das Blatt eines Spinnrads ist ein semantisch bedeutsamer Teil; darauf wurden in der Regel symbolische Bilder abgebildet. In der Volksmythologie wurde der goldene Vogel Feuervogel genannt und symbolisierte die Sonne.
Nach den Vorstellungen unserer Vorfahren steigt die Sonne wie ein „golden geflügelter leuchtender Vogel“ zum Himmelsgewölbe auf und erleuchtet die Erde. Aus einer fernen Zeit hat uns ein Sprichwort erreicht: „Der klare Falke ist gekommen – alle Menschen sind gegangen.“ Wenn dann die Sonne aufging, erwachten die Menschen. In manchen Legenden sitzt der Sonnenvogel auf einer alten Eiche. Laut A. N. Afanasyev verglich die Volksphantasie den jährlichen Zeitablauf mit einem wachsenden Baum, auf dem der Sonnenvogel nistet.
Auf einem Spinnrad kann ein Baum in Form eines ausladenden goldenen Busches als metaphorisches Bild einer anderen Welt (Paradies) dienen. Einige Blätter zeigen nur einen Baum (Busch) ohne Vogel. Ausladende Zweige mit sanft gebogenen Stielen, beweglichen Blättern und tulpenförmigen Blüten nehmen fast die gesamte Blattebene ein. Zwischen den Blättern platzierten die Meister runde Locken mit Beeren und eigenartigen Früchten. Die Zeichnung wurde entlang der Konturen der Klinge gerahmt. Entlang der oberen Kante befand sich ein Ornament aus Halbkreisen, die von Ecken mit spitzen Seiten oder gekreuzten Wellenlinien mit scharfen Umhängen geschnitten wurden, und an den Seiten und am Boden befanden sich doppelte halbovale oder gerade Linien.
Der Künstler schien den Eingang zu dieser Märchenwelt einzurahmen, dargestellt auf dem semantisch bedeutsamen Teil des Spinnrads. Die Städte waren mit goldenen und schwarzen Linien umrandet, mit einer Rosette (Punkt) in der Mitte, die Dreiecke der zweiten Städtereihe wurden von den Meistern meist in Dunkelgrün oder sogar Schwarz bemalt, wodurch die Verzierung der Rautenform hervorgehoben wurde Muster, die von außen noch heller wirken und durch schwarze Linien akzentuiert werden, dichte Schattierungen wurden an den Rändern oder in der Mitte der Blätter, auf Früchten und Vogelbildern vorgenommen, was der gesamten Komposition ein leichtes Volumen verlieh.
Architektonische Elemente wurden konventionell und schematisch in das Ornament eingeführt: Fenster, Dächer, Kuppeln, Tempeltürme usw. Solche Bilder wurden oft von der umgebenden Realität inspiriert. Die westlichen Gebiete der Wologda-Provinz zeichneten sich durch eine Fülle von Kirchen und Kapellen aus, die sogenannten italienischen Fenster, die oft für mehr Licht sorgten. Handwerker verwoben architektonische Strukturen geschickt in florale Muster aus symmetrisch angeordneten Blättern, Tropfen und Locken. Die Elemente des Gemäldes wurden betont und in einigen Formen mit Schwarz ausgefüllt; die Farbe Grün wurde taktvoll in das Gemälde eingeführt.
Das Design auf dem Bein wurde an den Rändern mit goldenen und schwarzen Linien umrahmt. Die Seiten der Beine waren manchmal mit Locken „mit einer Beere“, einem gewellten Stiel mit Blättern oder Flechten bemalt. Auf der Verteidigungsseite der Klinge konnten die Handwerker das Entstehungsdatum des Gemäldes angeben. Bei diesen Spinnrädern, bei denen die Mitte der Klinge, an der das Werg festgebunden war, mit einem schwarzen Rahmen umrandet und unbemalt blieb, ist entlang des Randes eine ockerorangefarbene erste Farbschicht sichtbar. Bei den meisten Spinnrädern ist die Drehung der Klingen überhaupt nicht lackiert. Die Unterseite war am Kopf nur teilweise bemalt oder durch eine schwarze Linie von der Bemalung und Kolorierung getrennt.
Die Namen der Handwerker, die Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts tätig waren, sind erhalten:
- Ditin Grigory Leontyevich (1875-1965), Dorf Kozhevnikovo;
- Pryazhenikov Ivan Ivanovich, Dorf Dyakonitsa;
- Rotov Ivan Efimovich, Dorf Welikaja;
- Uraskov Ivan Yakovlevich, Dorf Dyakonitsa und
- Meister Wassili Severjanowitsch aus dem Dorf Bulatovo oder Dyakonitsa.
Die Vielfalt der Elemente, die Harmonie der Ornamente und die Eleganz des Designs zeichnen die Werke von I.E. aus. Rogov und G.L. Ditipa.
Zusammenfassend ist festzuhalten, dass sich beim Studium lokaler Typen oder sogar Varianten bereits bekannter Malereiarten eine erstaunliche, hochspirituelle und farbenfrohe Welt öffnet, eine Welt, in der ferne heidnische Überzeugungen, Alltagsbeobachtungen und die tiefen Grundlagen der Orthodoxie auftauchen sind glücklich miteinander verbunden.
„In jüngerer Zeit wurde vorhergesagt, dass die Volkskunst, einschließlich der Gemälde, aufgrund des Verlusts des Interesses der Bevölkerung an ihr physisch sterben würde. Und tatsächlich verloren viele Handwerke und sogar ganze Bereiche der Volkskunst ihre Bedeutung im Alltag, was zu einem raschen Verschwinden führte. Da die Menschheit jedoch keine Zeit hatte, einen Bereich ihrer Kultur zu entwickeln, der dem Untergang geweiht schien, verspürte sie sofort ein dringendes Bedürfnis danach.“
Die Malerei auf Holz, Bast und Birkenrinde wurde auf Wologda-Land ebenso entwickelt wie die Schnitzerei. Schon in der Antike wurden Gebiete bekannt, deren bemalte Produkte nicht nur in der gesamten Region verbreitet, sondern auch über die Grenzen hinaus exportiert wurden.
Von besonderem Interesse ist die künstlerische Bemalung volkstümlicher Haushaltsgegenstände, die in der dekorativen Kunst der Völker des Nordens einen wichtigen Platz einnahm. Holzmalerei war am Mezen und entlang der nördlichen Dwina, entlang der Suchona und ihren Nebenflüssen Yug und Luza weit verbreitet. Um ihre Häuser zu schmücken, bemalten die Bauern die Wände der Hütten, Trennwände darin, Türen, Öfen, Holzgeschirr und verschiedene Utensilien wie Bastkörbe, Ständer, Bögen, Rollen usw.
Ein besonders beliebtes Dekorationsobjekt der Dwina- und Suchona-Bauern war das Spinnrad. Am häufigsten waren Szenen, die die Träume der Bauern von einem glücklichen und wohlhabenden Leben widerspiegelten: Flitterwochenreisen, Feiern, Teepartys, Dorfversammlungen, Volkstänze, Jagdszenen usw. Am häufigsten finden sich auf den Spinnrädern der Dwina-Bauern Blumenornamente, deren Motive die Liebe des Künstlers zur nördlichen Natur widerspiegeln. Dvina- und Sukhona-Spinnräder zeichnen sich durch die Schönheit ihrer Dekoration aus. Ihre Gemälde auf weißem oder gelbem Hintergrund kombinieren gekonnt Rot und Schwarz, Grün und Blau.
Im Norden entwickelte sich vor allem der grafische Typus der Volksmalerei – mit klarer Umrisslinie der Bilder und anschließender Kolorierung im Inneren. Ein wichtiges Zentrum für solche bemalten Gerichte und Utensilien war Permogorje an der nördlichen Dwina, wo bereits im 18. Jahrhundert Kisten und Körbe, Wannen und Brotkästen, Wiegen und Schlitten, Schüsseln, Gläser, Bierkrüge und später Spinnräder bemalt wurden.
Ein fließendes Blumenornament mit charakteristischem Lanzettenblattmotiv betont die strenge Ausdruckskraft der Objektformen. Der Stil der Permogorsker Gemälde entwickelte sich unter dem Einfluss von Solvychegodsk und Weliki Ustjug, in der Nähe entwickelten sich Emaillierarbeiten, Silberniellarbeiten, Prägungen und Birkenrindenschnitzereien. Ergänzt wurde diese Schicht der alten russischen Kultur durch Sirin-Vögel, Einhörner und Löwen aus Stichen und Volksdrucken sowie im 19. Jahrhundert durch Szenen und Bilder des wirklichen Lebens, die zunehmend die Aufmerksamkeit von Volkskünstlern auf sich zogen. Daher können Sie auf dem Permogorsk-Gemälde zwischen den üppigen Grasmustern schwimmende Fische, ein geschäftiges Huhn und einen stolz schreitenden Hahn sowie Szenen von Schlittenfahrten, Festen und Teepartys sehen.
Das für die Volkskunst charakteristische Bild eines Teils anstelle des Ganzen wurde von dem Meister verwendet, der das Tuesk aus der Sammlung des Russischen Museums malte: Zwei Fenster und Quasten aus schweren Vorhängen sollten auf die prächtigen Gemächer hinweisen, in denen das festliche Fest stattfindet . Fünf Menschenfiguren in eleganter Kleidung und Hüten sitzen eng am Tisch. Wie ein gerahmtes Bild sticht die Szene zwischen den dichten Blumenmustern hervor.
Das Spinnrad, das 1911 vom berühmten Permogorsker Meister D. A. Khripunov hergestellt wurde, zeigt einen Mann und eine Frau, die Tee trinken. Der Tisch mit dem Samowar und die charakteristische Geste zum Halten der Untertassen sind detailliert dargestellt. Zu ihren Füßen sitzen eine Katze und ein Hund, und Hühner laufen umher. Auf dem Medaillon sind Beine zu sehen – ein Spinner bei der Arbeit und ein Mann mit einer Ziehharmonika in der Hand. In solchen Szenen hielt der Volkskünstler seine seltenen Momente der Ruhe fest. Daher wirken sie wie ein feierliches Ritual.
Selbstbewusstes Zeichnen mit elastischen Linien aus schwarzen Konturen und Farbgebung in vier Farben – Weiß, Gelb, Grün und Rotbraun – verleihen den Gemälden von Permogorsk einzigartige Merkmale.
Thema: Gemälde von Weliki Ustjug.
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Die Entstehung und Entwicklung der Weliki-Ustjug-Malerei
Im 17. Jahrhundert war die Malerei eng mit der Ikonenmalerei verbunden. Daher spiegeln sich die Technik der Ikonenmalerei, ihre Stiltechniken und ihre Terminologie in der Volkskunst wider.
Unter den Malern der russischen Nordstädte hatten die Künstler von Weliki Ustjug einen guten Ruf. Im 17. Jahrhundert gab es in der Stadt mehr als 35 Menschen – Grasmaler. Sie malten Ikonen im Auftrag von Kirchen und Klöstern und dekorierten auch Haushaltsgegenstände der Stadtbewohner mit Gemälden. Dies wurde zum Anstoß für die Entstehung der Weliki-Ustjug-Malerei. Im Gegensatz zur Ikonenmalerei, bei der sich die Künstler strikt an die von der Kirche – den Kanonikern – aufgestellten Regeln halten mussten, malten sie beim Malen von Alltagsgegenständen alles, was sie wollten, was sie um sich herum sahen und was ihre Fantasie anregte. Alles, was zur umgebenden Natur gehörte – Bäume, Hügel, Blumen – wurde Kräuter genannt, und die Künstler, die es malten, wurden Kräuterkundige genannt. Da sich Kräuterheilkundler auch auf die Bemalung von Ornamenten spezialisierten, wurden sie vor allem mit der Verzierung von Haushaltsgegenständen betraut. Aber trotz der Tatsache, dass alle Maler von Weliki Ustjug erbliche Maler waren, die die Fähigkeit des Zeichnens von ihren Vorfahren geerbt hatten, spiegelte sich die Kreativität der Ustjug-Bewohner auch in der Kunst antiker Künstler wider. Indem sie die technischen Zeichnungen der Ustjug-Gemälde vereinfachten, verkörperten sie deren Inhalt auf ihre eigene Art und Weise. Wenn also die Bilder urbaner Künstler dem Kirchenbuch nahe stehen, dann ähneln sie bei den dörflichen Künstlern Epen oder Märchen.
Die Autoren der Gemälde kannten und liebten die künstlerischen Werke ihrer Zeit gut. Einige von ihnen waren gebildet und konnten selbst lesen (dies belegen die Inschriften auf Kisten und Truhen auf dem Gemälde, die im Heimatmuseum Weliki Ustjug aufbewahrt werden), andere hörten sie von dörflichen Geschichtenerzählern – schließlich waren die meisten von ihnen alt Russische Werke sind uns in mündlicher Überlieferung überliefert.
Sehr oft stellten Ustjug-Künstler des 17. Jahrhunderts Helden des antiken Russlands dar: Dies sind legendäre Helden (der Mann-Pferd Polkan, Bova-Korolevich, Zar Alexander der Große), Tiere (Löwe, Einhorn, Greif), Vögel (Stratim-Vogel). , Sirin-Vogel, Papagei) , beispiellose Pflanzen. Aber neben märchenhaften und fantastischen Szenen spiegelten die Künstler in ihren Gemälden auch Themen wider, die sie dem umgebenden Leben entlehnten. Darüber hinaus erhielten selbst Motive, die von einem Märchen oder einer Legende inspiriert waren, manchmal durch die Hand des Malers reale Züge. Alles oben Gesagte über die Malerei von Weliki Ustjug sind verlässliche wissenschaftliche Fakten.
Kompositionslösung in der Malerei
Komposition ist in der bildenden Kunst mit der Notwendigkeit verbunden, das Hauptkonzept, die Idee des Werkes möglichst klar und überzeugend zu vermitteln. Und wenn in der Malerei die Komposition dazu beiträgt, die Illusion des Raums, seine Tiefe, zu vermitteln, dann strebt der Künstler in der Volks- und Dekorationskunst im Gegenteil danach, das Volumen oder die Fläche des dekorierten Objekts mithilfe kompositorischer Techniken hervorzuheben.
In einer dekorativen Komposition kann ein Thema auf eine Weise zum Ausdruck gebracht werden, die es grundlegend von der Komposition eines Gemäldes unterscheidet. Das Bild einer Landschaft kann sich nicht in der Tiefe, sondern nach oben entfalten; in diesem Fall werden entfernte Pläne über den nahen platziert, wie in einer alten russischen Ikone. Das Hauptunterscheidungsmerkmal eines dekorativen Bildes von einem realistischen Bild besteht darin, dass die Farbe eines Objekts ohne Berücksichtigung von Licht und Schatten angegeben werden kann. Es ist sogar eine vollständige Ablehnung der tatsächlichen Farbe möglich. Es ist wichtig, dass Farbe ein künstlerisches Bild erzeugt.
Die Eigenschaft einer dekorativen Komposition ist die dekorative Transformation jeglicher Art, wobei die Nationalität, Schönheit und Ornamentik der umgebenden Welt hervorgehoben und ein gewisses Maß an Konventionalität des Bildes beachtet wird. Eine geschickte Verallgemeinerung der Form schadet der Ausdruckskraft überhaupt nicht. Die Ablehnung kleinerer Details macht das Wesentliche deutlicher. Positive Ergebnisse werden nicht nur durch eine strikte Auswahl der Hauptsache erzielt, sondern auch durch etwas Understatement und Assoziativität bei der emotionalen und bildlichen Lösung des Themas. Sie sollten auf die Kompositionstechniken der Volksornamente achten. Ornament (von lateinisch ornamentum – Dekoration) ist ein Muster, das auf rhythmischem Wechsel und organisierter Anordnung von Elementen basiert. Je nach Art der Motive werden folgende Arten von Ornamenten unterschieden: geometrisch, floral, zoomorph und anthropomorph.
In der Malerei von Weliki Ustjug werden florale und geometrische Muster verwendet. In jedem Gemälde besteht das Blumenornament aus stilisierten Blättern, Blüten, Früchten, Zweigen ... Das häufigste Motiv ist der „Baum des Lebens“. Dies ist ein einziges Ganzes, dies ist die führende Linie im Ornament, an der alle anderen Elemente befestigt sind. Der „Baum des Lebens“ (Baum – Baum) ist älter als Mensch und Tier, er stammt aus der Antike. Er gilt als an der Erschaffung der Welt beteiligt. Der „Baum des Lebens“ ist tief im Boden der Region verwurzelt, in der wir leben, wo unsere Menschen leben, wo sie ihr eigenes Brot backen, ihre eigenen Lieder singen, ihre Legenden bewahren und sich an die Geschichte ihrer Ururgroßväter erinnern . Und wenn wir die Lieder unseres Volkes, Bräuche, Feiertage kennen, dann wird der „Baum des Lebens“ wachsen.
Der „Baum des Lebens“ ist ein Symbol für die schöpferischen Kräfte der Natur, Unantastbarkeit und Weltordnung. Vögel, die auf den Zweigen des „Baums des Lebens“ sitzen können, sind Glücksboten; sie symbolisieren den Besitzer und die Gastgeberin. Sein Wächter ist ein Löwe – der Hüter des Herdes. Am häufigsten wird der „Baum des Lebens“ als Motiv eines blühenden Busches dargestellt – dies gilt auch für die Malerei von Weliki Ustjug und ist ein Blumenornament. Im Ustjug-Muster ist das Bild einer Tulpenblume das einzige Motiv des Gemäldes. Es ersetzte alle anderen Pflanzenelemente des alten Kräuterschmucks. Dies verhinderte jedoch nicht die Einführung vielfältiger Details in jede Blume. Es wurde aus verschiedenen Blickwinkeln präsentiert und wirkte manchmal recht weit vom Original entfernt. Eine Kombination von Dekorationsmöglichkeiten bei Verwendung nur eines floralen Zierelements wurde in der Regel durch die Darstellung von Vögeln, Tieren, Fabelwesen und sogar Menschen kompensiert.
Was verrät uns die Kleidung der Helden?
Genreszene: Auf beiden Seiten eines kleinen Tisches stehen zwei Personen – ein junger Mann und ein Mädchen – mit Gläsern in den erhobenen Händen. So lakonisch die Zeichnung auch sein mag, dem Künstler ist es gelungen, das Charakteristischste zu zeigen: Die Menschen sind in antike Kleidung mit langen Röcken und hohen Hüten gekleidet. Der Künstler zeigte uns den festlichen Charakter des Outfits auf seine Art und Weise, mit ein paar Strichen und Strichen: Er verzierte die Säume des Kleides mit Reihen von Halbkreisen, was bedeutet, dass es aus Stoff mit großen Blumen bestand; Schattierte Streifen deuten auf Stickereien und gemusterten Stoff am Kragen und an der Mütze hin.
Wenn die Kleidung der Helden vom Künstler so subtil und gekonnt vermittelt wird, dann mag die Darstellung von Menschen auf den ersten Blick kindisch ungeschickt wirken. Die von fast geraden und eckigen Linien umrissenen Figuren sind alles andere als „natürlich“: Ihre Arme sind unterschiedlich lang und so gebogen, als hätten sie flexible Federn statt Gelenke.
Der Künstler versucht nicht, das Bild dreidimensional zu machen: Es werden nur die Vorderwände des Tisches und die darauf stehenden Gefäße gezeigt, es gibt keine einzige Falte auf der Kleidung. Anstelle eines Gesichts werden ein Kreis, Augen und Augenbrauen durch zwei Kommas und Nase und Mund durch gerade Linien gekennzeichnet. Die gesamte Figur ist dem Betrachter von vorne zugewandt, die Beine sind im Profil dargestellt.
So kleideten sich die Bojaren in der vorpetrinischen Rus. Das bedeutet, dass der Künstler seine Helden entsprechend den Gepflogenheiten seiner Zeit kleidete.
Fragment des Gemäldes. Kasten Norden. 17. Jahrhundert
Lassen Sie uns nun über die Bilder der Volkskunst sprechen – Bereginya, Sirin, Einhorn, Löwe, Polkan usw.Der Bauer kannte ihre alte Bedeutung, wenn auch nicht vollständig, so doch teilweise. Deshalb wandte er sich so hartnäckig nicht allen, sondern bestimmten, meist gleichen Themen zu.Man muss zugeben, dass fast alle Bilder der Volkskunst bedeutungsvoll sind. Lassen Sie uns zunächst über antike Bilder mythologischer Art sprechen: über Gottheiten, Pferde, Vögel, Lebensbäume.
Leo ist unendlich gutmütig, sein Mund erstreckt sich bis zu den Ohren und ist zu einem Lächeln verzogen. Es gibt nicht einmal einen Hauch von Wildheit in ihnen. Ihre Gesichter ähneln manchmal menschlichen (Katzen-)Masken und sind auf ganz einzigartige Weise gestaltet. Die Figuren sind mal einfach, mal filigran, ihre Köpfe sind dem Betrachter zugewandt, mal ist sie von einer gemusterten Mähne umgeben, die wie Sonnenschein wirkt. Die Körper sind gebogen, mit pflanzlichen, flexiblen Ästen verwandt, die in ihr Muster eingebettet sind. Es scheint, als ob sie daraus entstehen, wachsen, vor unseren Augen auftauchen. Bauernlöwen sind nicht zu fürchten. Häufiger liegen sie ruhig in der Verzierung, die Pfoten unter sich versteckt, und wedeln leise mit ihrem blühenden Schwanz. Manchmal sind sie bereit, sich mit unglaublicher Anstrengung zu bücken und den Kopf zu drehen, während sie uns unermüdlich beobachten. Manchmal stehen sie wie Wachhunde da und beschützen das Haus des Eigentümers. Es gibt eine Meinung, dass das Bild eines Löwen als Talisman, als Wächter, diente und das Eigentum des Besitzers bewachte. Sie schmücken aber auch das Haus des Bauern und verleihen ihm ein Gefühl der Ungewöhnlichkeit. Ein Löwe sieht im Verständnis des Volksmeisters manchmal wie ein freundlicher Hund oder ein freundliches Kätzchen aus.
Sirin-Vogel. In der bäuerlichen Kunst wurden Sirenen am häufigsten auf Hochzeitsspinnrädern abgebildet, die der Bräutigam seiner Braut schenkte. In der Volkskunst verwandelt sich Sirin in einen fabelhaften Feuervogel, unglaublich schön, wie ein wunderbarer Gast, der in eine elende Hütte flattert und sie mit seinem Glanz erleuchtet. In der Bauernkunst schien der Sirin vom Himmel auf die Erde herabzusteigen. Seine schützende Funktion blieb bestehen, wurde jedoch durch einen persönlicheren Appell an den Besitzer des Gegenstands ersetzt. Die Sirins begannen, nicht den abstrakten „Baum des Lebens“, sondern den Mann selbst zu bewachen.
Vogel Sirin. Kopieren. Bemalung auf der Innenseite des Truhendeckels. Weliki Ustjug. Anfang des 18. Jahrhunderts.
Bogatyr Polkan. Polkan erscheint häufig in den Werken von Ustjug-Künstlern. Er trägt entweder ein Kettenhemd oder einen russischen Kaftan und einen runden, pelzgefütterten Hut. Er ist immer mit Pfeil und Bogen bewaffnet. Zielen Sie mit dem Pfeil entweder direkt vor sich oder drehen Sie Ihren gesamten Körper nach hinten. Polkan ist immer in Bewegung.
Ein Greif ist ein geflügeltes Tier. Es hat kräftige Pfoten mit verlängerten Krallen, einen schlanken Körper und einen Hals mit üppiger Mähne, der in einem Vogelkopf mit scharfem Schnabel endet. Angehobene Vorderbeine, ein gekräuselter Schwanz, ausgebreitete Flügel und ein räuberisch geöffneter Schnabel zeigen, dass das Tier sich darauf vorbereitet, seinen Gegner zu schlagen. Unter den Füßen des Tieres liegen Hügel mit Gras, und ringsherum winden sich Stängel bunter Blumen. Dies ist ein mythisches Tier – ein Greif.
Woher kam das Fabeltier Greif in Russland zu uns? Viele Jahrhunderte v. Chr. galt der Greif in den Ländern des Alten Ostens wie der Löwe als Gottheit und wurde später zum Symbol der Macht. Vom Osten gelangte es über Italien und Byzanz in die Länder Westeuropas und zu uns, nach Russland. Wie der Löwe zog der Greif die Russen mit seinem Mut und seiner Stärke an und übertraf in seiner Kraft den Löwen: Schließlich hatte der Greif den Körper eines Tieres, einen Adlerschnabel und riesige Flügel.
Stratim-Vogel. In mittelalterlichen Legenden waren die Vorstellungen über Vögel nicht weniger fantastisch als über Tiere. Ihnen wurden mythische Stärke und Macht zugeschrieben. Man glaubte beispielsweise, dass ein Pfau mit seinem Schrei Schlangen vertreiben könne. Anscheinend sind Vögel deshalb auf den Gemälden der Bewohner von Ustjug immer präsent.
Der Stratimvogel wurde in Gemälden auf Kisten dargestellt. Sie hat einen sehr länglichen Körper, als ob er aus zwei flachen Brettern bestünde, der im rechten Winkel in den gleichen langen Hals übergeht und in einem kleinen Kopf mit einem großen gebogenen Schnabel endet. Wie bei einem Greif oder einem Löwen blickt das schräge, runde Auge neugierig in die Ferne, kräftige Krallentatzen bedecken den Rand des Rahmens und erhobene Flügel zeigen an, dass der Vogel zum Abheben bereit ist. Ohne zu versuchen, das Bild zu detaillieren oder dreidimensional zu machen, zeichnete der Künstler den Körper des Vogels, seinen Hals und den Rand des Flügels mit den gleichen schrägen Linien. Dennoch erscheint uns der Vogel lebendig, voller dunkler Geheimnisse und Rätsel: Er ist nicht wie jeder andere in der Natur bekannte Vogel.
Das Einhorn ist einem Pferd sehr ähnlich, aber auf seiner Stirn wächst ein langes und scharfes Horn. Deshalb nannten sie ihn so – ein Einhorn.
In einigen Legenden wird ein Einhorn, das mit einer unbekannten Gottheit zu einem Bild verschmilzt, zum König der gesamten Unterwelt.
Auf dem Deckel ist vor einem Hintergrund aus Kräutern und Blumen das Einhorn gemalt, das fröhlich galoppiert und an ein Fohlen erinnert, das zum Grasen auf grünem Gras freigelassen wird.
Diese Ähnlichkeit wird durch die dumme Schnauze, die zum Springen erhobenen Vorderbeine und die sanfte Schokoladenfarbe des Tieres noch verstärkt.
Farbgebung in der Malerei
Ustjuger Künstler bemalten im 17. Jahrhundert Haushaltsgegenstände wie Ikonen mit Eitempera, d. h. im Eigelb eines Hühnereis gelöste Farben. Die Verbreitung der Malfähigkeiten führt jedoch zu einer Vereinfachung der Farben in der alten (anscheinend teureren) Rezeptur und Zusammensetzung der Farbstoffe der Ikonenmalerei. Wenn für Ikonen Gold, Silber und so teure Farben wie Kormoran, Zinnober und Kohlroulade verwendet wurden, versuchte man beim Bemalen von Haushaltsgegenständen, mehr Bleirot und Zhizhgla (Gelb) zu verwenden. Auch das Lösungsmittel wurde günstiger: Statt eines Eigelbs wurde das ganze Ei verwendet.
Farbe spielte in der Malerei von Weliki Ustjug eine Nebenrolle: Beim Einfärben der vorab aufgetragenen Konturen der Bilder versuchte der Künstler keineswegs, die Natur nachzuahmen oder sie mit Farbnuancen dreidimensional zu gestalten. Sein Hauptziel war es, den Artikel so hell und elegant wie möglich zu gestalten. Daher ähnelten Ustjug-Gemälde teilweise orientalischen Stoffen des 16.–17. Jahrhunderts.
Heutzutage ist die Farbgebung in der Malerei gleich geblieben: Hauptsächlich werden Gelb, Orange, Rot, Grün und manchmal Braun und Blau verwendet, um die Dinge aufzupeppen;
In der bildenden Kunst ist es allgemein anerkannt, dass die assoziationsreiche rote Farbe wärmend, belebend, aktiv und energiegeladen ist; grüne Farbe schafft eine ruhige, angenehme und friedliche Stimmung; gelbe Farbe – warm, freundlich, fröhlich, attraktiv; orange Farbe – fröhlich, fröhlich, feurig, freundlich. Daher bevorzugen Meister in der Malerei die Farben Gelb und Rot, die Gegenstände festlich machen und eine Atmosphäre von Wärme und Behaglichkeit schaffen.
Die Farbwissenschaft (Farbwissenschaft oder Koloristik) hilft dem Künstler, die Eigenschaften der Farbe besser zu verstehen, sie in der Malerei zu verwenden und in der dekorativen angewandten Kunst anzuwenden.
Die Wissenschaft der Farbe entstand vor langer Zeit. Bereits im 4. Jahrhundert v. Chr. versuchte der Wissenschaftler Aristoteles im antiken Griechenland, den Ursprung der Farbe und verschiedener Farbphänomene zu erklären. Die Farbwahrnehmung hängt maßgeblich vom Farbton, dem Grad seiner Helligkeit und Sättigung ab.
In unserem Bewusstsein wird der Farbton mit der Farbe vertrauter Objekte in Verbindung gebracht. Viele Farbnamen stammen direkt von Objekten mit einer charakteristischen Farbe: Sand, Smaragd, Kirsche usw. Der Farbton wird also durch den Namen der Farbe (Gelb, Rot...) bestimmt und hängt von ihrer Position im Spektrum ab. Das Spektrum besteht aus den Farben Rot, Orange, Gelb, Grün, Blau, Indigo und Violett. Die Farben des Spektrums sind immer in dieser Reihenfolge angeordnet. Der Farbkreis ist normalerweise in zwei Teile unterteilt – warm und kalt. Warme Farben: Rot, Gelb, Orange und alle Farben, die mindestens einen Teil dieser Farben enthalten. Warme Farben erinnern an die Farbe der Sonne, des Feuers, das in der Natur wirklich Wärme spendet. Und nicht umsonst werden im Bereich DPI eher warme als kalte Farben bevorzugt. Kühle Farben: Blau, Cyan, Grün, Violett und die Farben, die durch Mischen mit diesen Farben erhalten werden können. Kalte Farben werden in unserem Kopf mit Eis, Schnee und Wasser assoziiert. Schwarz, Grau und Weiß bilden eine Gruppe neutraler Farben.
Als kontrastreich und zugleich harmonisch gelten die Farben der einander gegenüberliegenden Spektren: Rot - Grün. Sie werden gesättigter und verstärken sich gegenseitig in ihrer Helligkeit. Kontrastkombinationen in Produkten müssen mit großer Vorsicht verwendet werden: Zwei Kontrastfarben in der Komposition reichen aus, und eine davon sollte kleiner sein, sonst beginnen sie, sich gegenseitig zu unterdrücken.
Bei dekorativen Arbeiten achten Künstler auf ein harmonisches Farbverhältnis und die realen Farben von Objekten können in symbolische umgewandelt werden. Die koloristische Einheit aller Zierelemente wird durch Farbkontraste und Nuancen erreicht.
Aber wir dürfen die Hauptregel nicht vergessen: Bei jeder Farbauswahl sollte eine Farbe die Hauptfarbe sein, die zweite sollte eine zusätzliche Farbe sein, die Verwendung der anderen muss sorgfältig überwacht werden – sie sollten sich nicht durchsetzen und können nur als dienen Akzente, die die Gesamtpalette beleben, sollten nicht zu viele sein. Die Hauptfarbe dominiert immer die anderen und vereint sie um sich.
Wologda-Gemälde sind eine Richtung der dekorativen Kunst der Völker im Norden des Landes. Die Holzmalerei ist in Russland seit langem bekannt und hat sich überall und in allen Teilen des riesigen Territoriums entwickelt. Der Unterschied bestand in der Technologie zur Vorbereitung des Produkts für die Arbeit, in der Reihe traditioneller Ornamente und in der Vorherrschaft aller Farben. Allein in Russland sind mehr als zehn Arten von Gemälden bekannt, die die Originalität der nördlichen Region und die spezifischen Orte widerspiegeln, an denen sie entstanden sind.
Wologda-Kunstmalerei
Wenn Sie sich die Karte der Region Wologda ansehen, werden Sie keine Siedlungen finden, in denen sich dieses Volkshandwerk nicht entwickelt hat. Bewohner der Ufer der Nördlichen Dwina, der Suchonja, der Nebenflüsse des Südens und der Luza sowie der zentralen und westlichen Regionen der Woiwodschaft Wologda schmückten ihre Häuser, Haushaltsgeräte, Möbel, Werkzeuge und Geschirr mit für ihre Region einzigartigen Mustern. Niemand weiß, wie viele Arten von Gemälden verloren gegangen sind, aber die erhaltenen sind Schätze der russischen Kultur.
Die raue, waldreiche Region forderte von den Menschen Ausdauer und trug zur Selbstdarstellung in Form der Entwicklung von Handwerken bei, die mit der Wärme des Holzes verbunden sind. Die künstlerische Schnitzerei erschien zuerst, und die Wologdaer Malerei von Holzprodukten entstand viel später. Sie griff die Themen der früheren Fischerei auf und erweiterte sie erheblich, wobei sie die Techniken und Technologien der Region in ihrem Arsenal behielt.
Maltechnik
In der Volkskunst gibt es zwei Arten, ein Design auf ein Produkt anzuwenden: grafisch und freihändig (Pinselstrich).
Im Norden sind Beispiele grafischer Malerei bekannt, die bis ins 17. Jahrhundert zurückreichen. Sie dekorierte damit Haushaltsgegenstände: Spinnräder, Kisten, Truhen, Schöpfkellen, bemalte Teller. Die Technik ist wie folgt: Auf das Produkt wird ein klarer Umriss des Designs aufgetragen, der dann mit zwei oder drei Farben bemalt wird. Meister verwenden in ihrer Arbeit Temperafarben. In der Region Wologda gibt es mehrere lokale Zentren für Volkshandwerk, die mit dieser Technik arbeiten.
Freihand-, Mal- oder Pinselstrichzeichnungen tauchten später, zu Beginn des 19. Jahrhunderts, im russischen Norden auf. Aber er selbst war alles andere als neu; seine Wurzeln reichen bis in die tiefe Vergangenheit zurück. Die Ausführungstechnik unterscheidet sich radikal von der grafischen. Der Künstler erstellt keinen vorläufigen Umriss, sondern beginnt mit dem Malen auf einem „sauberen“ Produkt und trägt sofort Farbstriche auf. Die Hand bewegt sich frei, die Bildgrenzen sind etwas verschwommen und es besteht keine Symmetrie. Das Ergebnis ist eine glaubwürdigere, „lebensechtere“ Zeichnung.
Bei dieser Technik werden häufig zwei Farben gleichzeitig auf einen Pinsel aufgetragen: farbig und weiß. Mit einem Strich trägt der Meister die Hauptfarbe auf, schattiert sie sofort und verstärkt den Klang durch eine Tünche. Die freie Pinselmalerei fand in der Region Wologda am häufigsten bei der Bemalung großer Möbel oder Häuser statt: auf Gesimsen, Giebeln, Fensterläden.
Charowskaja-Gemälde
In der Region Charowski wird zum Bemalen von Holzprodukten die Freipinseltechnik mit grafischer Animation und Aufhellung eingesetzt. Traditionell zeigten die Gemälde dieser Gegend Pflanzenszenen und seltsamerweise auch Löwen. Die Anwohner betrachteten dieses Tier als Talisman für ihre Häuser. Die Löwen in den Zeichnungen sind sehr lustig. Manchmal sehen sie aus wie Hunde, manchmal wie Katzen, manchmal stehen sie auf den Hinterbeinen. Menschen und Vögel wurden seltener gezeichnet. Die Hintergrundfarben waren Braun, Grün und Kastanienbraun. Die für die Bemalung verwendeten Farben waren Braun, Blau und Grün.
Bemalte Gegenstände wurden von Mitgliedern einer Suchexpedition im Bezirk Charowski gefunden. Es gibt immer weniger davon, und die Aufgabe der Künstler, die dieses Handwerk wiederbeleben wollen, besteht darin, die gefundenen Muster zu bewahren, sie zu studieren und zu kopieren.
Glubokovskaya-Gemälde
Im Nordosten der Region Wologda, im abgelegenen Dorf Glubokovka, entstand ein Gemälde, das aus klassischen Elementen besteht, die zu einem komplizierten Muster kombiniert werden. Tatsächlich gab es mehrere Dörfer, aber dieses gab dem Gemälde den Namen. Die Malerei von Glubokovskaya ist so reich an verschiedenen Elementen, dass es schwierig ist, sie alle aufzuzählen. Am häufigsten werden Knospen, Locken, Tropfen, Klammern und viele andere verwendet. Frühe Werke waren überwiegend olivbraun, während spätere orange und rotbraun waren.
Spinnräder, Schränke und Türen wurden mit dieser Art von Bemalung bemalt. Moderne Handwerker reproduzieren mit großem Geschick Elemente der Malerei auf Haushaltsgegenständen. Ein Brotkasten im Glubkovsky-Stil schmückt jede Küche und hebt die Stimmung der Gastgeberin. Ein ruhiger Strauß großer Locken ist ein traditionelles Element der Glubkovo-Malerei.
Die im Südwesten gelegene Region Wologda grenzt an die Region Jaroslawl. Hier wurde die grafische, leuchtende und auffällige Malerei geboren. Ein kleines Muster aus Punkten und Blütenblättern, Trieben und Samen lässt eine Art Baum oder Blume entstehen. Die Besonderheit der Gayutin-Malerei ist die symmetrische Füllung der Fläche, als ob ein Fragment über das gesamte Produkt gestempelt würde. Bei der Entstehung des Gemäldes sind viele leuchtende Farben beteiligt: Rot, Orange, Grün, Gold. Und all diese Schönheit wird auf einem roten Hintergrund überlagert. Experten glauben, dass die fantastische Pflanze, die ständig dargestellt wird, der Weltenbaum ist, der Erde und Himmel verbindet und die Samen aller Pflanzen verstreut. Wenn dem so ist, dann erinnert das Ornament an unsere heidnischen Wurzeln.
Früher wurde dieses Muster am häufigsten zum Dekorieren von Spinnrädern verwendet – solchen, die als Geschenk für ein Mädchen oder eine Frau angefertigt wurden. Moderne Wologdaer Künstler dekorieren auf diese Weise Holzteller, Ostereier, Salzstreuer und andere Souvenirs.
Sheksninskaya-Gemälde
Helle, elegante Gemälde, die nur für einen Urlaub oder eine Dekoration geeignet sind, gehören zur Kategorie der wenig erforschten. Es wurde auf dem Gebiet an der Grenze der Provinzen Jaroslawl und Nowgorod gegründet. Der leuchtend rote Hintergrund wird von einem vergoldeten Muster dominiert, weshalb die Bewohner des Sheksninsky-Bezirks es „vergoldete Frau“ nennen.
Das Gemälde verwendet fantastische Pflanzen, die zu einem wunderschönen Muster verflochten sind. Die Pflanzen tragen beispiellose Blüten und Beeren, und manchmal sind auch Paradiesvögel zu finden.
Das Gemälde von Sheksninskaya erinnert an den goldenen Khokhloma, der in der Region Nischni Nowgorod geboren wurde. Wie konnte eine ähnliche Ausrüstung im hohen Norden des Landes landen? Es stellt sich heraus, dass die Ursprünge beider Gemälde die Ornamente russischer Ikonen und handgeschriebener Bücher waren. Aber die Technologie zur künstlerischen Malerei in diesen Bereichen ist anders.
Höchste Malerei
Dieses Gemälde gehört zum Freihandtyp. Das Bild des Motivs, in diesem Fall ein Blumenband, wirkt etwas verschwommen, sehr natürlich und dreidimensional. Das Ornament wird seit jeher von Pflanzen dominiert: Beeren, Blumen, Blätter.
Dieser Stil war unseren Vorfahren nicht bekannt. Neuheit ist sein Unterscheidungsmerkmal. Er wurde Ende des 20. Jahrhunderts in einer modernen Werkstatt geboren. Der Kunstverein Nadezhda hat gleichgesinnte lokale Künstler zusammengebracht. Sie studierten und belebten einige Arten von Wologda-Gemälden und interessierten sich für die Kunst der Meister der Stadt Semenov („Goldenes Khokhloma“). Sie reproduzierten ihre Produktherstellungstechnologie, nahmen einige Änderungen vor und erzielten ein sehr interessantes Ergebnis.
In der Stadt Semenov wird eine Schicht „Ludka“ auf die Oberfläche des Produkts aufgetragen – eine zinnhaltige Lösung. Dadurch erhält der Artikel eine silbrige Farbe. Anschließend wird eine Schicht Trockenöl aufgetragen und das Produkt in den Ofen geschickt. Durch die hohe Temperatur interagieren Zinn und trocknendes Öl und die Farbe der Oberfläche wird golden. Das Hauptgemälde basiert darauf.
Und die Nordländer, die die Beschichtung mit trocknendem Öl abgeschafft hatten, erhielten beim Verlassen des Ofens einen silbernen, frostigen Wologda-Farbton. So entstehen in den Volkshandwerksbetrieben der Region Wologda neue Produkte.
Die von den Meistern gesammelten Erfahrungen werden seit Jahrhunderten von Hand zu Hand weitergegeben. So können wir heute die erhaltene Maltechnik als Ergebnis der Arbeit vieler Generationen sehen. Die Kontinuität der Traditionen ermöglicht es modernen Künstlern, in dem Stil zu arbeiten, der vor Jahrhunderten von Meistern der Region Wologda geschaffen wurde.
Dank ihres Könnens verwandelt sich der gewöhnlichste, mit einem bunten Muster bemalte Gegenstand in ein festliches, elegantes Ding, das die Originalität eines bestimmten Gebiets der nördlichen Region widerspiegelt. Aber zusammen werden sie „Wologda-Gemälde“ genannt.